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拍品專文
« La peinture, la vraie peinture, tend toujours vers tous les aspects, c’est-à-dire vers la somme impossible de l’instant présent, du passé et de l’avenir… Je fais quelque chose qui ne peut pas être examiné de près, qui ne peut pas être mis en pièces, qui a une valeur par sa qualité d’aventure, que l’on peut accepter ou non… On utilise des valeurs fortes, délicates ou très délicates, directes ou indirectes, ou même l’inverse de la valeur, ce qui compte c’est que ce soit juste. » - Nicolas de Staël
Fleurs rouges (1952) incarne la remarquable fusion entre l’abstraction et la figuration, propre à Nicolas de Staël, et reflète son profond engagement envers la couleur et la forme. Les rouges vibrants, palpitant de vie et d’énergie, dominent la toile, et sont entrecoupés de verts luxuriants et de touches aux tonalités terreuses. L’artiste capture l’essence des fleurs d’une façon qui transcende la représentation, invitant les spectateurs à une expérience presque « intime » de la nature.
Exécutée à un moment charnière de la carrière de Staël, Fleurs rouges résonne des influences de la scène artistique européenne de l’après-guerre comme de celles de l’expressionnisme émergeant alors aux États-Unis. Dans ce tableau, le peintre s’éloigne du style proprement figuratif de l’iconographie russe, tandis que ses rouges « contiennent la même énergie que celle que l’on trouve dans les peintures d’icônes orthodoxes ». (Jean-Claude Marcadé dans G. Maldonado, 2015, p. 32). Dans Fleurs rouges, loin de l’abstraction pure, De Staël embrasse une fois de plus le sujet des fleurs, mais en leur insufflant une belle fraîcheur et une grande intensité. Les traits audacieux et les tons vibrants engagent entièrement les sens du spectateur, l’entraînant dans un jeu dynamique de couleurs.
La technique de De Staël crée un contraste saisissant entre les espaces positifs et négatifs, générant un rythme qui met en avant le monde naturel. La spontanéité et la vigueur de son coup de pinceau, associées à une palette soigneusement orchestrée, évoquent une harmonie symphonique proche des œuvres de Matisse et de Van Gogh. Son objectif est de capturer l’essence de la perception plutôt que de transmettre des significations symboliques.
Dans ce tableau, les fleurs revêtent une qualité quasi-sculpturale, illustrant sa conviction que la peinture doit incarner la tension entre la forme et la couleur. Les fleurs rouges luxuriantes sont à la fois un hommage à la nature et un témoignage de la quête incessante de l’artiste en faveur de la vérité visuelle. Non seulement, Fleurs rouges met en évidence la maîtrise technique de Staël, mais l’œuvre révèle également sa capacité à convoquer une résonance émotionnelle par le biais de l’abstraction.
À travers cette nature morte florale, l’une des œuvres plus emblématiques de l’artiste, Staël fait le lien entre ses inspirations du passé et une approche plus moderne et expressive. Les couleurs vives et les formes harmonieuses de cette peinture résonnent avec la profondeur émotionnelle de ses œuvres précédentes, élevant Staël au rang des figures centrales de l’art du XXe siècle. Ainsi, Fleurs rouges est une célébration de la couleur et de la forme, reflétant l’attachement de l’artiste à l’éclat de la vie.
« Toute ma vie, j’ai eu besoin de penser peinture, de voir des tableaux, de faire des tableaux pour m’aider à vivre, pour me libérer de toutes les impressions, de toutes les sensations, de toutes les angoisses auxquelles je n’ai jamais trouvé d’autre issue que la peinture. » - Nicolas de Staël
‘’Painting, true painting, always tends towards all aspects, that is to say, towards the impossible sum of the present moment, the past and the future... I'm doing something which can't be examined closely, which can't be taken to pieces, which has a value through its adventurous quality, which one may accept or not... One uses strong, delicate, or very delicate, direct or indirect values, or even the converse of value - what matters is that it should be right.’’ - Nicolas de Staël
Fleurs rouges (1952) embodies Nicolas de Staël’s remarkable fusion of abstraction and figuration, reflecting his profound engagement with color and form. The vibrant reds dominate the canvas, pulsating with life and energy, while interspersed with lush greens and hints of earthy tones. On the canvas, de Staël captures the essence of flowers in a manner that transcends representation, inviting viewers into a visceral experience that echoes the intensity of nature.
Executed during a pivotal moment of de Staël’s career, Fleurs rouges resonates with influences of both the post-war European art scene and burgeoning Abstract Expressionism emerging in America, as well as with more classical influences that accompanied the artist throughout his career. In Fleurs rouges de Staël departs from the representational style of Russian iconography, while his reds, “contain the same energy as can be found in orthodox icon paintings.” (Jean-Claude Marcadé in G. Maldonado, 2015, p. 32) Fleurs rouges encapsulates de Staël's departure from pure abstraction, as the artist once more embraces the subject of flowers, reminiscent of his earlier explorations but infuses these with a fresh, urgent vibrancy. The bold strokes and vibrant tones convey a sense of immediacy, engaging the viewer’s senses as they are drawn into a dynamic game of color.
De Staël’s distinctive technique creates a striking contrast between positive and negative spaces, generating a rhythm that reflects the natural world. The spontaneity and vigor of his brushwork, coupled with a carefully orchestrated palette, evoke a symphonic harmony akin to the works of Matisse and Van Gogh. As de Staël stated, the artist’s goal was to capture the essence of perception rather than to convey symbolic meanings.
In this painting, de Staël's flowers contain an almost sculptural quality, illustrating his belief that painting should embody the tension between form and color. The lush red blooms serve as both a tribute to nature and a testament to the artist's relentless pursuit of visual truth. Fleurs rouges not only showcases de Staël’s mastery of paint but also reveals his capacity to evoke emotional resonance through abstraction, echoing sentiments found in his contemporaries while carving out a distinct artistic identity.
As one of the artist’s greatest works, Fleurs rouges exemplifies de Staël’s exploration of floral still life, bridging his inspirations from the past with a modern, expressive approach. The pulsating colors and engaging forms in the work resonate with the emotional depth found in earlier works, marking de Staël as a pivotal figure in 20th-century art. Thus, Fleurs rouges serves as a celebration of color and form, reflecting de Staël's connection to the vibrancy of life.
‘’All my life I have needed to think painting, to see paintings, to make paintings to help myself live, to free myself from all the impressions, all the sensations, all the anxieties to which I have never found any other issue than painting.’’ - Nicolas de Staël
Fleurs rouges (1952) incarne la remarquable fusion entre l’abstraction et la figuration, propre à Nicolas de Staël, et reflète son profond engagement envers la couleur et la forme. Les rouges vibrants, palpitant de vie et d’énergie, dominent la toile, et sont entrecoupés de verts luxuriants et de touches aux tonalités terreuses. L’artiste capture l’essence des fleurs d’une façon qui transcende la représentation, invitant les spectateurs à une expérience presque « intime » de la nature.
Exécutée à un moment charnière de la carrière de Staël, Fleurs rouges résonne des influences de la scène artistique européenne de l’après-guerre comme de celles de l’expressionnisme émergeant alors aux États-Unis. Dans ce tableau, le peintre s’éloigne du style proprement figuratif de l’iconographie russe, tandis que ses rouges « contiennent la même énergie que celle que l’on trouve dans les peintures d’icônes orthodoxes ». (Jean-Claude Marcadé dans G. Maldonado, 2015, p. 32). Dans Fleurs rouges, loin de l’abstraction pure, De Staël embrasse une fois de plus le sujet des fleurs, mais en leur insufflant une belle fraîcheur et une grande intensité. Les traits audacieux et les tons vibrants engagent entièrement les sens du spectateur, l’entraînant dans un jeu dynamique de couleurs.
La technique de De Staël crée un contraste saisissant entre les espaces positifs et négatifs, générant un rythme qui met en avant le monde naturel. La spontanéité et la vigueur de son coup de pinceau, associées à une palette soigneusement orchestrée, évoquent une harmonie symphonique proche des œuvres de Matisse et de Van Gogh. Son objectif est de capturer l’essence de la perception plutôt que de transmettre des significations symboliques.
Dans ce tableau, les fleurs revêtent une qualité quasi-sculpturale, illustrant sa conviction que la peinture doit incarner la tension entre la forme et la couleur. Les fleurs rouges luxuriantes sont à la fois un hommage à la nature et un témoignage de la quête incessante de l’artiste en faveur de la vérité visuelle. Non seulement, Fleurs rouges met en évidence la maîtrise technique de Staël, mais l’œuvre révèle également sa capacité à convoquer une résonance émotionnelle par le biais de l’abstraction.
À travers cette nature morte florale, l’une des œuvres plus emblématiques de l’artiste, Staël fait le lien entre ses inspirations du passé et une approche plus moderne et expressive. Les couleurs vives et les formes harmonieuses de cette peinture résonnent avec la profondeur émotionnelle de ses œuvres précédentes, élevant Staël au rang des figures centrales de l’art du XXe siècle. Ainsi, Fleurs rouges est une célébration de la couleur et de la forme, reflétant l’attachement de l’artiste à l’éclat de la vie.
« Toute ma vie, j’ai eu besoin de penser peinture, de voir des tableaux, de faire des tableaux pour m’aider à vivre, pour me libérer de toutes les impressions, de toutes les sensations, de toutes les angoisses auxquelles je n’ai jamais trouvé d’autre issue que la peinture. » - Nicolas de Staël
‘’Painting, true painting, always tends towards all aspects, that is to say, towards the impossible sum of the present moment, the past and the future... I'm doing something which can't be examined closely, which can't be taken to pieces, which has a value through its adventurous quality, which one may accept or not... One uses strong, delicate, or very delicate, direct or indirect values, or even the converse of value - what matters is that it should be right.’’ - Nicolas de Staël
Fleurs rouges (1952) embodies Nicolas de Staël’s remarkable fusion of abstraction and figuration, reflecting his profound engagement with color and form. The vibrant reds dominate the canvas, pulsating with life and energy, while interspersed with lush greens and hints of earthy tones. On the canvas, de Staël captures the essence of flowers in a manner that transcends representation, inviting viewers into a visceral experience that echoes the intensity of nature.
Executed during a pivotal moment of de Staël’s career, Fleurs rouges resonates with influences of both the post-war European art scene and burgeoning Abstract Expressionism emerging in America, as well as with more classical influences that accompanied the artist throughout his career. In Fleurs rouges de Staël departs from the representational style of Russian iconography, while his reds, “contain the same energy as can be found in orthodox icon paintings.” (Jean-Claude Marcadé in G. Maldonado, 2015, p. 32) Fleurs rouges encapsulates de Staël's departure from pure abstraction, as the artist once more embraces the subject of flowers, reminiscent of his earlier explorations but infuses these with a fresh, urgent vibrancy. The bold strokes and vibrant tones convey a sense of immediacy, engaging the viewer’s senses as they are drawn into a dynamic game of color.
De Staël’s distinctive technique creates a striking contrast between positive and negative spaces, generating a rhythm that reflects the natural world. The spontaneity and vigor of his brushwork, coupled with a carefully orchestrated palette, evoke a symphonic harmony akin to the works of Matisse and Van Gogh. As de Staël stated, the artist’s goal was to capture the essence of perception rather than to convey symbolic meanings.
In this painting, de Staël's flowers contain an almost sculptural quality, illustrating his belief that painting should embody the tension between form and color. The lush red blooms serve as both a tribute to nature and a testament to the artist's relentless pursuit of visual truth. Fleurs rouges not only showcases de Staël’s mastery of paint but also reveals his capacity to evoke emotional resonance through abstraction, echoing sentiments found in his contemporaries while carving out a distinct artistic identity.
As one of the artist’s greatest works, Fleurs rouges exemplifies de Staël’s exploration of floral still life, bridging his inspirations from the past with a modern, expressive approach. The pulsating colors and engaging forms in the work resonate with the emotional depth found in earlier works, marking de Staël as a pivotal figure in 20th-century art. Thus, Fleurs rouges serves as a celebration of color and form, reflecting de Staël's connection to the vibrancy of life.
‘’All my life I have needed to think painting, to see paintings, to make paintings to help myself live, to free myself from all the impressions, all the sensations, all the anxieties to which I have never found any other issue than painting.’’ - Nicolas de Staël