东风

李禹焕是国际艺坛最受瞩目也最具知名度的韩国画家。他与白南准及蔡国强三人，是几位少数能在美国纽约古根汉美术馆推出回顾展的亚洲艺术家。继杰夫．昆士和村上隆个展的成功后，李禹焕的作品也于凡尔赛宫展出。 李禹焕生于1936年，自幼接受传统东亚哲学的训练与薰陶。长年专注于书法水墨、诗词与文人绘画学习。他在韩国国立首尔大学的艺术学院就读期间，对艺术产生了浓厚的兴趣，并且意识到，完整的哲学训练将是成为一位世界级顶尖艺术家不可或缺的条件。为此他毅然决定负笈日本东京，于1958与1961年间，进入日本大学主修哲学。1960年代中期，李禹焕已经成为「物派」的主要理论家与艺术家，「物派」是1960年代期间，日本一个强调以物质为基础的运动。李禹焕于1960至1970年间，成为韩国「单色画艺术运动」中极具影响力的人物。 对西方哲学涉猎至深，他自创了自己的理论，认为艺术的目的应是与自己所称之的「另一个」或是「这个世界」相遇。李禹焕的思维，融合了西方哲理与日本哲学家西田几多郎的形而上理论。西田几多郎在当时，曾主张一种以禅宗佛教为基础的新哲学系统，他的立论深为李禹焕所折服。李禹焕将相遇这个理念的核心精神，透过一系列作品传达出来。换言之，他所探讨的是一种与个体与他人或是外界所建立的关係。身体本身是一个相遇所需的重要媒介，也是接触物质与存在最直接的体验。 自1971年起，沉浸于国际艺坛一段时间后，李禹焕迫切感觉需要表达自我立场，目的是为了挑战当时的现代西方艺术。在1973至1974年间，李禹焕备受激励并开始创作自己最具代表性的绘画系列作品《从点开始》与《从线开始》。当时的他，亟欲透过这些作品，去突破西方抽象绘画当时所遇到的瓶颈。在李禹焕与其他艺评家眼裡，现代抽象绘画俨然已经走入死胡同。李禹焕忆起儿时所受的文人画训练，透过回归点与线的创作模式，探寻新的抽象可能。透过传统东方书法绘画的特性，李禹焕将点与线视为天地万物最基本的组成单位，同时也是宇宙的最原点。对于点与线这样的概念，他曾表示：「由一个点生出另一个点，这些点召唤出一条线。每件事情都是由四处散布的点与线所组成。存在本身就是一个点，生命则是一条线。所以我本身也是一个点与一条线。」 这幅李禹焕于1978年绘製的作品《始于点》(Lot 66)，呈现了螺旋式图式，在其作品中极为罕见，呈现出他以点为宇宙起源的概念。诚如他所言：「宇宙中的所有事物都从一个点开始，最后也回归一个点。」这幅作品具备了这个系列的典型风格特质，以蘸满了颜料的画笔，从左至右逐笔印下，一直到笔印在画布上，由湿润饱满逐渐乾涸褪澹为止。画布上的笔印逐渐消失，乾印的墨色轨迹诉说着生命的短暂无常。之后这个由丰泽转为浅澹的过程再度于画布上展演一回。李禹焕将其称之为「无限的重複」，象徵着时间的韵律感。画布上重複的墨点，此时已非一个几何图型或重複图桉，而成了一个活性的有机体，演绎着与外界产生共鸣时所表现出的动感韵致。 对李禹焕而言，画中墨印与空白两处的互动与变化，一直是最让他感到着迷之处。在《从点开始》与《从线开始》(1972-84)，李禹焕致力于墨印与空白处寻找和谐。不过他之后的系列作品《由风而来》(1982-86)与《与风同在》(1987-91)，则改变了创作方式，转而以一种更具力道的风格呈现。李禹焕将重心放在笔触本身丰沛的劲道上，每一个笔印的间隔留白反而显得次要。《东风》(Lot 67)是系列作品《由风而来》的最佳代表作。他仍然保留以往作品中蓝色矿物颜料的元素，却在表达方式上另辟蹊径。以往作品中静态的点与线被自由流动的笔触所取代，呈现出一种精神层面的自由。李禹焕延续了这种富有表现力的风格二十余年。在这一系列作品受动力学概念感染后，李禹焕的作品逐渐变得更为富有冥想色彩，正如他的《对应》(1991-2006)与《对话》(2006-）系列作品所示。 李禹焕的作品已非抽象绘画的形式，而是水墨书法的展演。观者也可将这种风格，视为一种诠释精神与物质和谐感的全新抽象表现。透过这种方式，李禹焕成功地开创出新的绘画可能，将自己的作品，从着重形式的西方几何抽象绘画中挣脱出来。李禹焕的艺术，可谓是一种介于人工与自然之间的触媒或通道，不断探索着自我与他人、创作与留白、无为与行动之间的相互关连。这个全新的艺术创作形式，不但重新定义了艺术，也打破了现代绘画与凋塑的藩篱。