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李禹焕是国际艺坛最受瞩目的韩国画家。他与白南准及蔡国强三人，是几位少数能在美国纽约古根汉美术馆推出回顾展的亚洲艺术家。李禹焕的艺术成就备受推崇，他独树一格且审慎的创作方式，打破了现代绘画与雕塑形式的藩篱。身为一位真正参透生命与美学奥意的哲学艺术泰斗，李禹焕对于其他的现代艺术家与艺术理论家的影响力不言可喻。李禹焕拓展了现代雕塑与抽象绘画的定义，他的大师地位，在历史与艺术的洪流中，将无法被摇动。 生于1936年，李禹焕自幼接受传统东亚哲学的训练与熏陶。长年专注于书法水墨、诗词与绘画学习。高中时期因对艺术产生了浓厚的兴趣，遂于1956年进入韩国国立首尔大学的艺术学院就读。 李禹焕就读大学期间，某次前往日本探望生病的叔叔，对日本现代艺术产生深刻印象，他同时意识到，完整的哲学训练，将是成为一位世界级顶尖艺术家不可或缺的条件。为此他毅然决定负笈日本东京，于1958与1961年间，进入日本大学主修哲学。在此期间，李禹焕不断作画，并与当时东京多个艺术团体持续交流。1960年代末期，李禹焕已经成为「物派」的主要理论家与艺术家，「物派」是1960年代期间，日本一个强调以物质为基础的反形式主义运动。李禹焕之后发表了一系列的学术论述，并展出他最具代表性的雕塑系列作品 ── Relatum，并于1970至1980年间，成为韩国「单色画艺术运动」中极具影响力的人物。 若欲了解李禹焕的作品，必须先理解「相遇」与「身体」这两个概念。「相遇」这个创作中心概念，在他1970年所发表的「探寻相遇」一文中已诠释的相当清晰。李禹焕也重视「身体」或是「肉身的体现」这样的概念，强调身体、心灵与世界的连结。对西方哲学涉猎至深，李禹焕对于马丁・海德格尔与法国现象学家梅洛庞蒂的论述尤表激赏，他并自创了自己的理论，认为艺术的目的应是与自己所称之的「另一个」或是「这个世界」相遇。李禹焕的思维，融合了西方哲理与日本哲学家西田几多郎的形而上理论。西田几多郎在当时，曾主张一种以禅宗佛教为基础的新哲学系统，他的立论深为李禹焕所折服。李禹焕将相遇这个理念的核心精神，透过一系列雕塑与绘画作品传达出来。换言之，他所探讨的是一种与个体与他人或是外界所建立的关系。身体本身是一个相遇所需的重要媒介，也是接触物质与存在最直接的体验。 1971年起，李禹焕开始获得机会，作品参与了无数国际大展，并于第七届巴黎青年双年展、卡塞尔文件大展与圣保罗双年展中大放异彩。沉浸于国际艺坛一段时间后，李禹焕迫切感觉需要表达自我立场，目的是为了挑战当时的现代西方艺术。尽管他于1960年代，在专注雕塑创作之余，也从事绘画，但在1972至1973年间，李禹焕才真正开始了自己最具代表性的绘画系列作品、《从点开始》与《从线开始》。当时的他，亟欲透过这些作品，去突破西方抽象绘画当时所遇到的瓶颈。在李禹焕与其他艺评家眼里，现代抽象绘画俨然已经走入死胡同。 李禹焕忆起儿时所受的文人画训练，透过回归点与线的创作模式，探寻新的抽象可能。点与线的重复描绘，是驾驭与控制呼吸的最佳方式，以此做为学习古典东方笔墨与书画训练的基础。对艺术家本身而言，运笔用墨与绘画动作本身就是一种精神洗涤；实际的创作过程，能强化自我意识与自我否定、两者相辅相成的和谐圆满，能让人更接近并回归自然。透过文人画的原则，李禹焕将点与线视为天地万物最基本的组成单位，同时也是宇宙的最原点。对于点与线这样的概念，他曾表示：「由一个点生出另一个点，这些点召唤出一条线。每件事情都是由四处散布的点与线所组成。存在本身就是一个点，生命则是一条线。所以我本身也是一个点与一条线。」 这幅李禹焕于1979年绘制的作品《从点开始》是他力求圆满且比圆满更臻完美的最佳代表作。这幅画是这系列的晚期创作。缄默含蓄中不失浑厚力道，静滞沉稳之余却又充满韵律与节奏感。每一个画中的元素都极其和谐，完美呈现出李禹焕以点为宇宙起源的概念。诚如他所言：「宇宙中的所有事物都从一个点开始，最后也回归一个点。」这幅作品具备了这个系列的典型风格特质，以蘸满了颜料的画笔，从左至右逐笔印下，一直到笔印在画布上，由湿润饱满逐渐干涸褪淡为止。画布上的笔印逐渐消失，干印的墨色轨迹诉说着生命的短暂无常。之后这个由丰泽转为浅淡的过程再度于画布上展演一回。李禹焕将其称之为「无限的重复」，象征着时间的韵律感。创作者的脉搏透过笔触跃上画布，让每一道墨印，都成为作品链接外界与观者的媒介。画布上的点，不仅仅表达自身的存在，还提醒了笔印与笔印之间的间隔，吸引视觉在空白处伫足停留。墨印干涸的空白处，展现的是另外一个世界。画布上重复的墨点，此时已非一个几何图型或重复图案，而成了一个活性的有机体，演绎着与外界产生共鸣时所表现出的动感韵致。李禹焕的作品已非抽象绘画的形式，而是水墨书法的展演。观者也可将这种风格，视为一种诠释精神与物质和谐感的全新抽象表现。透过这种方式，李禹焕成功地开创出新的绘画可能，将自己的作品，从着重形式的西方几何抽象绘画中挣脱出来。 《始于点》恰如其分地展现出李禹焕的新风格，透过他善用的色彩、质材与创作模式，以传统呼应现代、并充分融合了东西艺术的元素。蓝色本身所具备的皇家氛围，东西皆然，它同时也象征希望、生命、正直与精神性，并让人联想到天空与海洋。蓝色与东方传统更有着密不可分的关连，因为这也是青花瓷的色调。东方传统中庄重经典的蓝与白，在李禹焕的作品中，以蓝白雅色交互呼应，隐隐透着一股非物质纪律的哲学涵养。李禹焕对生命的洞察，透过一阶又一阶、紧凑且精准跳动的蓝色墨印，彻底呈现出来。他审慎地沿用了传统的东方元素，以自己研发的材质，将传统亚洲丝绢绘画的素材，注入当代的创新精神。李禹焕将研磨好的矿物色粉溶于晶状乳液，再混进动物皮胶作画。他的绘画动作同样也有着传统亚洲画家的影子。李禹焕运用传统文人画创作模式，将纸或是这幅画所使用的画布铺在地上作画。但是与其选择纸张，他却以帆布创作，目地是为了避免创作让人有过于直接的东方水墨联想。 对李禹焕而言，画中墨印与空白两处的互动与变化，一直是最让他感到着迷之处。在《始于点》与《始于线》(1972-84)，李禹焕致力于墨印与空白处寻找和谐。不过他之后的系列作品《始于风》(1982-86)与《与风》(1987-91)，则改变了创作方式，转而以一种更具力道的风格呈现。李禹焕将重心放在笔触本身丰沛的劲道上，每一个笔印的间隔留白反而显得次要。最后，李禹焕在他的《对应》(1991-2006)与《对话》(2006- )系列作品中，重新回头探索墨印间格所呈现的空白，让笔触停顿的留白处，成为画作的主角。 对于无穷这个概念，李禹焕同样感到好奇，类似的探索，也更是贯穿了李禹焕所有的创作的中心思想。空白的画布好比无穷尽的空间，让他能够坦然接受这个世界的一切。李禹焕亟欲与这个世界相遇，渴望透过与世界接触，连结自己与身边所有事物的关连，而不是透过一个有限的空间与自体产生对话。他以一种看似轻描淡写、但却充满诗意的姿态创作，持续不断地透过这种极简的风格，试图与这个世界互动连结。李禹焕的艺术，可谓是一种介于人工与自然之间的触媒或通道，不断探索着自我与他人、创作与留白、无为与行动之间的相互关连。这个全新的艺术创作形式，不但重新定义了艺术，也打破了现代绘画与雕塑的藩篱。透过李禹焕极具冥想特质的作品，这位现代抽象大师告诉我们，人类该持续不断地探索这个世界的本来面目，因为唯有如此，我们才能够保持清醒，并且活得真实精彩。