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李禹焕是国际艺坛最受瞩目的韩国画家。他与白南准及蔡国强三人,是几位少数能在美国纽约古根汉美术馆推出回顾展的亚洲艺术家。李禹焕的艺术成就备受推崇,他独树一格且审慎的创作方式,打破了现代绘画与雕塑形式的藩篱。身为一位真正参透生命与美学奥意的哲学艺术泰斗,李禹焕对于其他的现代艺术家与艺术理论家的影响力不言可喻。李禹焕拓展了现代雕塑与抽象绘画的定义,他的大师地位,在历史与艺术的洪流中,将无法被摇动。
生于1936年,李禹焕自幼接受传统东亚哲学的训练与熏陶。长年专注于书法水墨、诗词与绘画学习。高中时期因对艺术产生了浓厚的兴趣,遂于1956年进入韩国国立首尔大学的艺术学院就读。
李禹焕就读大学期间,某次前往日本探望生病的叔叔,对日本现代艺术产生深刻印象,他同时意识到,完整的哲学训练,将是成为一位世界级顶尖艺术家不可或缺的条件。为此他毅然决定负笈日本东京,于1958与1961年间,进入日本大学主修哲学。在此期间,李禹焕不断作画,并与当时东京多个艺术团体持续交流。1960年代末期,李禹焕已经成为「物派」的主要理论家与艺术家,「物派」是1960年代期间,日本一个强调以物质为基础的反形式主义运动。李禹焕之后发表了一系列的学术论述,并展出他最具代表性的雕塑系列作品 ── Relatum,并于1970至1980年间,成为韩国「单色画艺术运动」中极具影响力的人物。
若欲了解李禹焕的作品,必须先理解「相遇」与「身体」这两个概念。「相遇」这个创作中心概念,在他1970年所发表的「探寻相遇」一文中已诠释的相当清晰。李禹焕也重视「身体」或是「肉身的体现」这样的概念,强调身体、心灵与世界的连结。对西方哲学涉猎至深,李禹焕对于马丁・海德格尔与法国现象学家梅洛庞蒂的论述尤表激赏,他并自创了自己的理论,认为艺术的目的应是与自己所称之的「另一个」或是「这个世界」相遇。李禹焕的思维,融合了西方哲理与日本哲学家西田几多郎的形而上理论。西田几多郎在当时,曾主张一种以禅宗佛教为基础的新哲学系统,他的立论深为李禹焕所折服。李禹焕将相遇这个理念的核心精神,透过一系列雕塑与绘画作品传达出来。换言之,他所探讨的是一种与个体与他人或是外界所建立的关系。身体本身是一个相遇所需的重要媒介,也是接触物质与存在最直接的体验。
1971年起,李禹焕开始获得机会,作品参与了无数国际大展,并于第七届巴黎青年双年展、卡塞尔文件大展与圣保罗双年展中大放异彩。沉浸于国际艺坛一段时间后,李禹焕迫切感觉需要表达自我立场,目的是为了挑战当时的现代西方艺术。尽管他于1960年代,在专注雕塑创作之余,也从事绘画,但在1972至1973年间,李禹焕才真正开始了自己最具代表性的绘画系列作品、《从点开始》与《从线开始》。当时的他,亟欲透过这些作品,去突破西方抽象绘画当时所遇到的瓶颈。在李禹焕与其他艺评家眼里,现代抽象绘画俨然已经走入死胡同。
李禹焕忆起儿时所受的文人画训练,透过回归点与线的创作模式,探寻新的抽象可能。点与线的重复描绘,是驾驭与控制呼吸的最佳方式,以此做为学习古典东方笔墨与书画训练的基础。对艺术家本身而言,运笔用墨与绘画动作本身就是一种精神洗涤;实际的创作过程,能强化自我意识与自我否定、两者相辅相成的和谐圆满,能让人更接近并回归自然。透过文人画的原则,李禹焕将点与线视为天地万物最基本的组成单位,同时也是宇宙的最原点。对于点与线这样的概念,他曾表示:「由一个点生出另一个点,这些点召唤出一条线。每件事情都是由四处散布的点与线所组成。存在本身就是一个点,生命则是一条线。所以我本身也是一个点与一条线。」
这幅李禹焕于1979年绘制的作品《从点开始》是他力求圆满且比圆满更臻完美的最佳代表作。这幅画是这系列的晚期创作。缄默含蓄中不失浑厚力道,静滞沉稳之余却又充满韵律与节奏感。每一个画中的元素都极其和谐,完美呈现出李禹焕以点为宇宙起源的概念。诚如他所言:「宇宙中的所有事物都从一个点开始,最后也回归一个点。」这幅作品具备了这个系列的典型风格特质,以蘸满了颜料的画笔,从左至右逐笔印下,一直到笔印在画布上,由湿润饱满逐渐干涸褪淡为止。画布上的笔印逐渐消失,干印的墨色轨迹诉说着生命的短暂无常。之后这个由丰泽转为浅淡的过程再度于画布上展演一回。李禹焕将其称之为「无限的重复」,象征着时间的韵律感。创作者的脉搏透过笔触跃上画布,让每一道墨印,都成为作品链接外界与观者的媒介。画布上的点,不仅仅表达自身的存在,还提醒了笔印与笔印之间的间隔,吸引视觉在空白处伫足停留。墨印干涸的空白处,展现的是另外一个世界。画布上重复的墨点,此时已非一个几何图型或重复图案,而成了一个活性的有机体,演绎着与外界产生共鸣时所表现出的动感韵致。李禹焕的作品已非抽象绘画的形式,而是水墨书法的展演。观者也可将这种风格,视为一种诠释精神与物质和谐感的全新抽象表现。透过这种方式,李禹焕成功地开创出新的绘画可能,将自己的作品,从着重形式的西方几何抽象绘画中挣脱出来。
《始于点》恰如其分地展现出李禹焕的新风格,透过他善用的色彩、质材与创作模式,以传统呼应现代、并充分融合了东西艺术的元素。蓝色本身所具备的皇家氛围,东西皆然,它同时也象征希望、生命、正直与精神性,并让人联想到天空与海洋。蓝色与东方传统更有着密不可分的关连,因为这也是青花瓷的色调。东方传统中庄重经典的蓝与白,在李禹焕的作品中,以蓝白雅色交互呼应,隐隐透着一股非物质纪律的哲学涵养。李禹焕对生命的洞察,透过一阶又一阶、紧凑且精准跳动的蓝色墨印,彻底呈现出来。他审慎地沿用了传统的东方元素,以自己研发的材质,将传统亚洲丝绢绘画的素材,注入当代的创新精神。李禹焕将研磨好的矿物色粉溶于晶状乳液,再混进动物皮胶作画。他的绘画动作同样也有着传统亚洲画家的影子。李禹焕运用传统文人画创作模式,将纸或是这幅画所使用的画布铺在地上作画。但是与其选择纸张,他却以帆布创作,目地是为了避免创作让人有过于直接的东方水墨联想。
对李禹焕而言,画中墨印与空白两处的互动与变化,一直是最让他感到着迷之处。在《始于点》与《始于线》(1972-84),李禹焕致力于墨印与空白处寻找和谐。不过他之后的系列作品《始于风》(1982-86)与《与风》(1987-91),则改变了创作方式,转而以一种更具力道的风格呈现。李禹焕将重心放在笔触本身丰沛的劲道上,每一个笔印的间隔留白反而显得次要。最后,李禹焕在他的《对应》(1991-2006)与《对话》(2006- )系列作品中,重新回头探索墨印间格所呈现的空白,让笔触停顿的留白处,成为画作的主角。
对于无穷这个概念,李禹焕同样感到好奇,类似的探索,也更是贯穿了李禹焕所有的创作的中心思想。空白的画布好比无穷尽的空间,让他能够坦然接受这个世界的一切。李禹焕亟欲与这个世界相遇,渴望透过与世界接触,连结自己与身边所有事物的关连,而不是透过一个有限的空间与自体产生对话。他以一种看似轻描淡写、但却充满诗意的姿态创作,持续不断地透过这种极简的风格,试图与这个世界互动连结。李禹焕的艺术,可谓是一种介于人工与自然之间的触媒或通道,不断探索着自我与他人、创作与留白、无为与行动之间的相互关连。这个全新的艺术创作形式,不但重新定义了艺术,也打破了现代绘画与雕塑的藩篱。透过李禹焕极具冥想特质的作品,这位现代抽象大师告诉我们,人类该持续不断地探索这个世界的本来面目,因为唯有如此,我们才能够保持清醒,并且活得真实精彩。