.jpg?w=1)
.jpg?w=1)
.jpg?w=1)
.jpg?w=1)
Lot Essay
La nature morte occupe une place prépondérante dans l'œuvre tardive de Renoir. Sans doute le plus « académique » des impressionnistes, Renoir est surtout considéré comme un peintre de la figure féminine. Bien qu'il ait recommandé à la nièce de Manet, Julie, à la fin des années 1890, de peindre des natures mortes « pour apprendre à peindre rapidement » (cité dans J. Manet, Journal, 1893-1899, Paris, sans date, p. 190), les nombreuses œuvres que Renoir a exécutées dans ce genre au cours de sa carrière témoignent de son intérêt soutenu pour la nature morte en tant que fin en soi. En effet, c'est souvent dans le genre de la nature morte que Renoir a poursuivi ses recherches formelles sur les effets changeants de la lumière, du ton et de la couleur sur les objets.
Pommes, coing et grenade sur un linge est une œuvre typiquement subtile, mais séduisante, du début du XXème siècle. Les formes sont soigneusement mesurées et uniformément réparties au centre de la composition, ce qui témoigne du retour de Renoir à la tradition classique dans les années 1880 et de son désir d'une plus grande structure dans son art. Renoir avait étudié la peinture murale romaine lors de son voyage en Italie en 1881, et les effets de son dialogue avec l'art antique sont visibles jusque dans les années 1890. Ici, une grenade, un coing et deux pommes sont blottis dans les plis d'une nappe blanche, une étude des contrastes de teinte, de ton et de texture. Avec la volupté caractéristique qui caractérise ses tableaux de nus féminins en plein air, Renoir s'amuse à définir les crevasses profondes entre les objets serrés les uns contre les autres, et les rythmes ondulants de leur géométrie irrégulière. Dans la mesure où les objets sont résolument séduisants, ils peuvent être considérés comme des substituts du corps humain. Ici, par exemple, Renoir a souligné la forme bulbeuse de la grenade, de la même manière qu'il l'a fait avec le corps nu de la femme. Il a également clairement souligné la silhouette vallonnée du coing, dont les tons jaunes brillent au milieu des couleurs rouge-orange utilisées pour les pommes et la grenade. Les fruits sont presque des figures féminines partiellement enveloppées dans des draperies, révélant leurs courbes séduisantes.
En impliquant un lien symbolique entre l'objet et le corps, Renoir suit l'approche des natures mortes de Cézanne. Meyer Schapiro a été le premier historien de l'art à examiner la présence de métaphores corporelles dans les natures mortes de Cézanne (M. Schapiro, The Apples of Cézanne : An Essay on the Meaning of Still-Life, Modern Art, 19th and 20th Centuries : Selected Papers, New York, 1978). L'œuvre presque contemporaine de Cézanne, Pommes et oranges, datant d'environ 1899, offre une comparaison instructive avec la présente œuvre, dans sa confrontation de fruits et de draperies. Cependant, l'attrait séduisant de la nature morte de Renoir est transformé par Cézanne en un drame psychique turbulent et irrésolu dans lequel les formes sont éparpillées et dispersées. En revanche, Renoir semble avoir cherché chez Chardin un modèle de calme gracieux dans la nature morte, optant pour la simplicité de la composition par opposition à l'opulence de Cézanne dans sa structure dynamique et presque baroque.
Still-life occupies a prominent position in Renoir's late work. Arguably the most ‘academic’ of the Impressionists, Renoir is largely remembered as a painter of the female figure. Although he recommended to Manet's niece, Julie, in the late 1890s to paint still-life "in order to teach yourself to paint quickly" (quoted in J. Manet, Journal, 1893-1899, Paris, no date, p. 190), the numerous works which Renoir executed in this genre over the course of his career attest to his sustained interest in still-life as an end in itself. Indeed, it was often in the genre of still-life that Renoir pursued his formal investigation of the changing effects of light, tone and color on objects.
Pommes, coing et grenade sur un linge is a typically subtle, albeit enticing, from the early 20th century. Forms are carefully measured and evenly distributed in the center of the composition, pointing to Renoir's return to the classical tradition in the 1880s and to his desire for greater structure in his art. Renoir had studied Roman wall painting during his trip to Italy in 1881, and the effects of his dialogue with ancient art are visible well into the 1890s. Here, one pomegranate, a quince and two apples are nestled snugly in the folds of a white table-cloth, a study in contrasts of hue, tone and texture. With the characteristic voluptuousness that distinguishes his paintings of the female nude en plein-air, Renoir delights in defining the deep crevices between objects fit tightly together, and the undulating rhythms of their irregular geometry. To the extent that the objects are decidedly seductive, they may be considered surrogates for the human body. Here for example, Renoir emphasized the pomegranate’s bulbous shape, in a similar way he did with the naked female body. He also clearly outlined the quince’s hilly silhouette, with its yellow tones glowing amidst the orange-red colours used for the apples and pomegranate. The fruits are almost female figures partly wrapped in drapery, revealing their seductive curves.
In implying a symbolic link between object and body, Renoir follows Cézanne’s approach to still-lifes. Meyer Schapiro was the first art historian to examine the presence of corporeal metaphors in Cézanne's still-lifes (M. Schapiro, ‘The Apples of Cézanne: An Essay on the Meaning of Still-Life’, Modern Art, 19th and 20th Centuries: Selected Papers, New York, 1978). Cézanne's almost contemporary Pommes et oranges of circa 1899 provides an instructive comparison with the present work, in its confrontation of fruits and drapery. Yet the seductive appeal of Renoir's still-life is transformed by Cézanne into a turbulent, unresolved psychic drama in which forms are scattered and dispersed. In contrast, Renoir seems to have looked to Chardin for a model of graceful composure in still-life, opting for simplicity of composition as opposed to Cézanne’s opulence in his dynamic and almost baroque structure.
Pommes, coing et grenade sur un linge est une œuvre typiquement subtile, mais séduisante, du début du XXème siècle. Les formes sont soigneusement mesurées et uniformément réparties au centre de la composition, ce qui témoigne du retour de Renoir à la tradition classique dans les années 1880 et de son désir d'une plus grande structure dans son art. Renoir avait étudié la peinture murale romaine lors de son voyage en Italie en 1881, et les effets de son dialogue avec l'art antique sont visibles jusque dans les années 1890. Ici, une grenade, un coing et deux pommes sont blottis dans les plis d'une nappe blanche, une étude des contrastes de teinte, de ton et de texture. Avec la volupté caractéristique qui caractérise ses tableaux de nus féminins en plein air, Renoir s'amuse à définir les crevasses profondes entre les objets serrés les uns contre les autres, et les rythmes ondulants de leur géométrie irrégulière. Dans la mesure où les objets sont résolument séduisants, ils peuvent être considérés comme des substituts du corps humain. Ici, par exemple, Renoir a souligné la forme bulbeuse de la grenade, de la même manière qu'il l'a fait avec le corps nu de la femme. Il a également clairement souligné la silhouette vallonnée du coing, dont les tons jaunes brillent au milieu des couleurs rouge-orange utilisées pour les pommes et la grenade. Les fruits sont presque des figures féminines partiellement enveloppées dans des draperies, révélant leurs courbes séduisantes.
En impliquant un lien symbolique entre l'objet et le corps, Renoir suit l'approche des natures mortes de Cézanne. Meyer Schapiro a été le premier historien de l'art à examiner la présence de métaphores corporelles dans les natures mortes de Cézanne (M. Schapiro, The Apples of Cézanne : An Essay on the Meaning of Still-Life, Modern Art, 19th and 20th Centuries : Selected Papers, New York, 1978). L'œuvre presque contemporaine de Cézanne, Pommes et oranges, datant d'environ 1899, offre une comparaison instructive avec la présente œuvre, dans sa confrontation de fruits et de draperies. Cependant, l'attrait séduisant de la nature morte de Renoir est transformé par Cézanne en un drame psychique turbulent et irrésolu dans lequel les formes sont éparpillées et dispersées. En revanche, Renoir semble avoir cherché chez Chardin un modèle de calme gracieux dans la nature morte, optant pour la simplicité de la composition par opposition à l'opulence de Cézanne dans sa structure dynamique et presque baroque.
Still-life occupies a prominent position in Renoir's late work. Arguably the most ‘academic’ of the Impressionists, Renoir is largely remembered as a painter of the female figure. Although he recommended to Manet's niece, Julie, in the late 1890s to paint still-life "in order to teach yourself to paint quickly" (quoted in J. Manet, Journal, 1893-1899, Paris, no date, p. 190), the numerous works which Renoir executed in this genre over the course of his career attest to his sustained interest in still-life as an end in itself. Indeed, it was often in the genre of still-life that Renoir pursued his formal investigation of the changing effects of light, tone and color on objects.
Pommes, coing et grenade sur un linge is a typically subtle, albeit enticing, from the early 20th century. Forms are carefully measured and evenly distributed in the center of the composition, pointing to Renoir's return to the classical tradition in the 1880s and to his desire for greater structure in his art. Renoir had studied Roman wall painting during his trip to Italy in 1881, and the effects of his dialogue with ancient art are visible well into the 1890s. Here, one pomegranate, a quince and two apples are nestled snugly in the folds of a white table-cloth, a study in contrasts of hue, tone and texture. With the characteristic voluptuousness that distinguishes his paintings of the female nude en plein-air, Renoir delights in defining the deep crevices between objects fit tightly together, and the undulating rhythms of their irregular geometry. To the extent that the objects are decidedly seductive, they may be considered surrogates for the human body. Here for example, Renoir emphasized the pomegranate’s bulbous shape, in a similar way he did with the naked female body. He also clearly outlined the quince’s hilly silhouette, with its yellow tones glowing amidst the orange-red colours used for the apples and pomegranate. The fruits are almost female figures partly wrapped in drapery, revealing their seductive curves.
In implying a symbolic link between object and body, Renoir follows Cézanne’s approach to still-lifes. Meyer Schapiro was the first art historian to examine the presence of corporeal metaphors in Cézanne's still-lifes (M. Schapiro, ‘The Apples of Cézanne: An Essay on the Meaning of Still-Life’, Modern Art, 19th and 20th Centuries: Selected Papers, New York, 1978). Cézanne's almost contemporary Pommes et oranges of circa 1899 provides an instructive comparison with the present work, in its confrontation of fruits and drapery. Yet the seductive appeal of Renoir's still-life is transformed by Cézanne into a turbulent, unresolved psychic drama in which forms are scattered and dispersed. In contrast, Renoir seems to have looked to Chardin for a model of graceful composure in still-life, opting for simplicity of composition as opposed to Cézanne’s opulence in his dynamic and almost baroque structure.